Musée J. Paul Getty

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Le musée J. Paul Getty de Malibu, en Californie, est situé au sommet d'une colline dans les montagnes de Santa Monica, juste à côté de l'autoroute de San Diego. Il considérait l'art comme une influence éclairante ; sa perspective a conduit à la création du musée. Le Getty Museum, construit pour la première fois en 1971, présente la collection d'art occidental de Getty du Moyen Âge à nos jours, dans un contexte d'architecture dramatique, de jardins paisibles et de vues à couper le souffle sur les environs de Los Angeles - le L'océan Pacifique, les montagnes San Gabriel et le vaste réseau de rues de la ville. Son objectif est de rendre la collection attrayante et significative pour les visiteurs en présentant et en interprétant les collections. Les collections comprennent des peintures, des dessins, des manuscrits, des sculptures et des arts décoratifs européens, ainsi que des photographies européennes et américaines. Le musée a commencé ses collections de peintures dans les années 1930 sous la direction avisée de Getty lui-même. La vaste collection présente des peintures de la Renaissance nord-italienne, de la peinture baroque d'Italie et des Flandres, des œuvres hollandaises du XVIIe siècle et des œuvres françaises des XVIIIe et XIXe siècles. Le Département des photographies conserve neuf collections et plusieurs autres photographies acquises en 1984. de Paul Gauguin, Vincent Van Gogh et, plus récemment, un rare dessin de Michel-Ange, ajoutent un certain émerveillement au musée.J. Les collections de sculptures européennes de Paul Getty comprennent des pièces scintillantes de la Renaissance italienne, de l'époque néoclassique française et britannique. Le J. a terni la renommée du musée. Le Getty Museum Trust a créé un autre point de repère culturel lorsqu'il a ouvert le J. en tant que centre éducatif et musée , la Villa Getty est dédiée à l'étude des arts et des cultures de la Grèce antique et de la Rome. La conservation est une responsabilité fondamentale du Musée J. Paul Getty et un élément essentiel de la mission du Musée.


*Faïence à glaçure opaque d'oxyde d'étain, généralement très décorée.


Centre Getty

Les Centre Getty, à Los Angeles, en Californie, est un campus du Getty Museum et d'autres programmes du Getty Trust. Le Centre de 1,3 milliard de dollars a ouvert ses portes au public le 16 décembre 1997 [2] et est bien connu pour son architecture, ses jardins et ses vues sur Los Angeles. Le centre est situé au sommet d'une colline reliée à un parking pour visiteurs au bas de la colline par un aérotrain à trois voitures tiré par câble. [3]

Situé dans le quartier de Brentwood à Los Angeles, le Centre est l'un des deux sites du J. Paul Getty Museum et attire 1,8 million de visiteurs par an. (L'autre emplacement est la Villa Getty dans le quartier Pacific Palisades de Los Angeles, en Californie.) La branche centrale du musée présente des peintures, des dessins, des manuscrits enluminés, des sculptures, des arts décoratifs et des photographies européens d'avant le XXe siècle. à travers le présent de partout dans le monde. [4] [5] En plus, la collection du Musée au Centre inclut la sculpture extérieure montrée sur les terrasses et dans les jardins et le grand Jardin Central conçu par Robert Irwin. Parmi les œuvres exposées se trouve le tableau de Vincent Van Gogh Iris.

Conçu par l'architecte Richard Meier, le campus abrite également le Getty Research Institute (GRI), le Getty Conservation Institute, la Getty Foundation et le J. Paul Getty Trust. La conception du Centre comprenait des dispositions spéciales pour répondre aux préoccupations concernant les tremblements de terre et les incendies.


La vie personnelle de J. Paul Getty

Ce succès a attiré l'attention, et cette attention - en particulier du genre féminin - et Getty se sont mariés trois fois au total au cours des années 1920 seulement. Son père, de qui est issu son succès commercial, a été très affligé par la nature flirtiste de son fils et ne lui a laissé qu'une fraction de sa fortune de 10 millions de dollars à sa mort. Peu importe que Getty était alors un multimillionnaire à part entière, éclipsant même son père.

Cependant, juste avant sa mort en 1930, le père de Getty, George, aurait déclaré que l'imprudence, l'inconstance et l'obsession de l'argent de son fils conduiraient finalement à la destruction de l'entreprise qu'ils avaient bâtie ensemble. Pourtant, un investissement avisé et des compétences commerciales ont permis au jeune Getty de prospérer. Il a admirablement résisté à la tempête financière de la Grande Dépression et a acquis des sociétés pétrolières de Tidewater Oil à la Pacific Western Oil Corporation, faisant croître et développer son entreprise jusqu'à ce qu'elle couvre non seulement l'Amérique, mais le monde entier.


Empire pétrolier

Après avoir obtenu son diplôme, Getty est retourné aux États-Unis et a commencé à travailler comme sauvage, achetant et vendant des concessions pétrolières dans l'Oklahoma. En 1916, Getty avait fait son premier million de dollars à partir d'un puits réussi, et il s'est associé à son père pour incorporer la Getty Oil Company. Avec sa nouvelle fortune, il se retira brièvement dans une vie de loisirs à Los Angeles, avant de revenir au secteur pétrolier en 1919.&# xA0

Tout au long des années 1920, Getty et son père ont continué à accumuler de la richesse grâce au forage et au courtage de baux. À la mort de George en 1930, Getty a reçu un héritage de 500 000 $ et est devenu président de la société pétrolière de son père et aposs, bien que sa mère ait conservé la participation majoritaire.

Dans son nouveau poste, Getty a entrepris de restructurer et d'étendre l'entreprise en une entreprise autonome qui faisait tout, du forage au raffinage en passant par le transport et la vente de pétrole. Il a commencé à acheter et à prendre le contrôle d'autres sociétés, notamment Pacific Western Oil, Skelly Oil et Tidewater Oil. Après la Seconde Guerre mondiale, Getty a également pris un risque en investissant des millions dans la "zone neutre" entre le Koweït et l'Arabie saoudite. Son pari a été gagné en 1953, lorsque le pétrole a été frappé et a commencé à couler à un rythme de 16 millions de barils par an.

En 1957, Fortune magazine a nommé Getty l'homme le plus riche du monde. Dix ans plus tard, il consolida ses intérêts commerciaux dans la Getty Oil Company et, au milieu des années 1970, on estimait qu'il avait construit une fortune personnelle de 2 à 4 milliards de dollars.


La Villa J. Paul Getty construite mais jamais vue

Ironiquement, J. Paul Getty n'a jamais vu la Villa Getty. Il est décédé deux ans après l'ouverture de son musée au public en janvier 1974 dans un nouveau bâtiment sur le modèle d'une ancienne maison de luxe romaine. Ce n'est qu'après la mort de Getty en juin 1976 qu'il revient de son domaine d'Angleterre dans son « ranch » de la côte Pacifique : il y est enterré en bordure de la propriété sur un terrain privé surplombant l'océan, aux côtés de son aîné et fils cadets, George et Timothée, tous deux décédés avant lui.

Après une rénovation et une réinstallation des galeries, la Villa Getty ouvre un nouveau chapitre de son histoire. Bien que Getty n'ait jamais vu sa création, l'histoire de la façon dont il a construit la Villa et rassemblé sa collection imprègne les galeries encore aujourd'hui. Une suite de chambres rénovées, les Galeries 105 à 108, partagent cette histoire. Présentant des œuvres d'art anciennes que Getty s'est achetées ainsi que des documents d'archives, les nouvelles expositions placent les objets dans leurs contextes culturels et mettent en lumière la relation personnelle de Getty avec son musée et son lieu de repos final.

D'une maison de ranch à une ancienne villa

Getty a acheté le ranch de 64 acres - qui faisait autrefois partie du Rancho Boca de Santa Monica, une concession de terre mexicaine de 6 656 acres du début du XIXe siècle - juste après la fin de la Seconde Guerre mondiale, l'entendant comme une retraite de week-end où sa cinquième épouse Theodora (« Teddy ») pouvait monter à cheval et exposer sa collection d'art en pleine croissance.

The Ranch House avant rénovation, entre 1920 et 1945. The Getty Research Institute, Institutional Archives

Il connaissait bien la région, car il possédait déjà une petite maison sur la plage à proximité de Santa Monica, à quelques pas du complexe tentaculaire que son ami et rival collectionneur William Randolph Hearst avait construit pour l'actrice Marion Davies. (Le domaine Davies est maintenant l'Annenberg Community Beach House, tandis que la maison de plage de Getty a été remplacée par un grand complexe de condos moderne, 270 Palisades Beach Road.)

Après avoir acheté la propriété, Getty a remodelé le « Ranch House » surbaissé, en ajoutant un deuxième étage et plusieurs éléments de style espagnol. Bien que Getty ait quitté définitivement les États-Unis en 1951, laissant derrière lui Teddy et leur fils Timmy, il a continué à remplir le Ranch House d'œuvres d'art et, en 1954, il l'a ouvert au public sous le nom de J. Paul Getty Museum.

Grande galerie d'antiquités dans la Getty Ranch House entre 1957 et 1974. À l'extrémité de la galerie se dresse le Lansdowne Hercules. Le Getty Research Institute, Archives institutionnelles

Au fil du temps, il a agrandi le bâtiment pour accueillir sa collection croissante et, à la fin des années 1960, il a dû s'étendre davantage. Les architectes de Getty ont élaboré plusieurs propositions dans une variété de styles - espagnol, européen et moderne - qu'il a tous rejetés. En fin de compte, il a décidé de construire une réplique de l'ancienne Villa dei Papiri à Herculaeneum, qui a été enterrée lors de l'éruption du Vésuve en 79 après JC.

Rencontre d'histoire ancienne et moderne

Plusieurs galeries récemment réinstallées au premier étage de la Getty Villa présentent des objets qui parlent à la fois de leur histoire ancienne et moderne. La galerie 105, connue sous le nom de salle des marbres colorés, est dominée par une statue en marbre de Vénus. Getty a volontiers admis qu'il «aimait la compagnie des femmes» et lorsque la Villa a ouvert ses portes en 1974, une galerie entière était consacrée aux images de la déesse de l'amour.

Lors de la planification de la nouvelle exposition, nous avons donc décidé que la première des deux vitrines intégrées dans cette galerie se concentrerait sur les représentations de Vénus dans divers supports : terre cuite, marbre et bronze. Le plus petit objet de l'étui, une tête en bronze finement travaillée de la déesse, une fois attachée à une figure plus grande, est remarquable pour la conservation d'une boucle d'oreille en or avec une seule perle. Les perles étaient très prisées dans l'antiquité, comme elles le sont aujourd'hui, et se vendaient à des prix exorbitants.

L'objet le plus grand de la vitrine, un groupe en terre cuite d'un Femme allongée sur un canapé avec Cupids, est encore plus intrigant. Il s'agit de la première « antiquité » achetée par Getty. En 1939, alors qu'il était à Rome pour faire la cour à Teddy, qui étudiait pour devenir chanteur d'opéra, il a placé un certain nombre d'offres d'achat sur des articles vendus à partir d'une collection aristocratique à Londres. Il s'intéressait particulièrement aux tapisseries, mais sur la même page du catalogue de vente aux enchères que certains des objets qu'il désirait le plus se trouvait la liste de cette terre cuite. Il a été associé à d'autres similaires trouvés sur le site grec de Tanagra à la fin du XIXe siècle. Ces œuvres d'art étaient populaires parmi les collectionneurs pour la vivacité de leurs compositions et les aperçus qu'elles semblaient fournir sur la vie quotidienne dans le monde antique.

Statuette de femme allongée sur un canapé avec des amours, 1875-1890, probablement fabriqué en Grèce. Terre cuite, pigment et or, 7 5/16 × 10 5/8 × 4 5/16 in. Le J. Paul Getty Museum, 78.AK.38. Image numérique avec l'aimable autorisation du programme de contenu ouvert de Getty

Détail de la copie personnelle de J. Paul Getty du catalogue de vente aux enchères Sotheby's d'articles de Cam House, Londres. L'institut de recherche Getty

Comme pour tous ses achats, Getty était rusé, cherchant à obtenir le meilleur prix possible. Mais son catalogue de vente aux enchères annoté, redécouvert dans les collections de la bibliothèque du Getty Research Institute par l'ancienne assistante de conservation du Getty Museum Laure Marest-Caffey (maintenant Cornelius et Emily Vermeule conservatrice de l'art grec et romain au Museum of Fine Arts de Boston) révèle que Getty lui-même avait des doutes sur son authenticité. Dans la marge sous l'entrée, il a écrit « moderne ? » La terre cuite appartenait à une vénérable collection anglaise, alors Getty était prêt à tenter sa chance. Son offre basse de 10 £ a prévalu, mais sa première antiquité s'est avérée ne pas être du tout une antiquité.

Historique à l'écran

Cette histoire et d'autres sur J. Paul Getty et la croissance de ses collections sont racontées dans une exposition innovante dans la galerie 107. S'appuyant sur l'installation en cours J. Paul Getty : Vie et héritage au Getty Center, ce programme interactif, installé aux côtés de certaines des sculptures antiques préférées de Getty, permet aux visiteurs d'explorer des centaines de photographies d'archives, de cartes, de graphiques et d'autres ressources relatives à la famille de Getty, ses affaires, ses voyages, le développement de ses collections, sa décision de construire la Villa, et héritage durable.

L'Hercule de Lansdowne, vers 125 après J.-C., romain. Marbre, 76 3/16 × 30 1/2 × 28 3/4 in. Le J. Paul Getty Museum, 70.AA.109. Photographié dans le Temple d'Hercule (Galerie 108).

La galerie 108, connue sous le nom de Temple d'Hercule, apparaît quant à elle à peu près comme avant la réinstallation, mais elle dispose désormais d'un éclairage amélioré et d'un isolateur sismique plus petit sous la célèbre statue d'Hercule de Lansdowne. Ce changement permet davantage au splendide sol en marbre polychrome de montrer qu'il s'agit d'une réplique de l'une des premières découvertes des puisatiers qui ont découvert la Villa dei Papiri en 1750. L'ancienne villa est elle-même le centre d'un cubiculum nouvellement installé juste à côté de l'atrium. , Galerie 101C, et elle fera l'objet d'une exposition de prêt international à l'été 2019.

Bien que Getty n'ait jamais visité sa villa, son héritage continue de perdurer. De ses choix architecturaux aux objets qu'il collectionne, son histoire du XXe siècle se confond avec celle des temps anciens, donnant des histoires qui nous captivent encore aujourd'hui.


Une visite virtuelle du Getty Museum

“Le Grand Canal à Venise du Palazzo Flangini au Campo San Marcuola” par Canaletto

“Le Grand Canal à Venise du Palazzo Flangini au Campo San Marcuola” par Canaletto a été peint en 1738.

Cette composition s'appelle une veduta (italien pour “view”), ce qui signifie une peinture très détaillée, généralement à grande échelle, d'un paysage urbain ou d'une autre vue.

Cette peinture vendue représente la partie supérieure du Grand Canal à Venise, en Italie, près de l'entrée du canal Cannaregio. Les peintures Venduta étaient populaires auprès des riches touristes à Venise au milieu des années 1700.

“Rome moderne – Campo Vaccino” par J.M.W. Tourneur

“Rome Moderne – Campo Vaccino” par J.M.W. Turner est une vision paysagère du Forum romain non excavé, encore appelé Campo Vaccino, signifiant « Pâturage des vaches », scintillant dans la lumière brumeuse.

Dix ans après son dernier voyage à Rome, Turner envisagea Rome de sa mémoire. Les églises et les monuments antiques dans et autour du Forum romain se dissolvent dans des couleurs vives.

La lumière de la lune se lève sur la gauche. Le soleil se couche derrière la colline du Capitole à droite.

“Iris” de Vincent van Gogh

“Irises” est l'une des nombreuses peintures d'‘Iris’ de Vincent van Gogh et l'une d'une série de peintures qu'il a peintes à l'asile de Saint-Rémy, en France, au cours de la dernière année avant sa mort.

En 1889, après plusieurs épisodes d'automutilation et d'hospitalisation, Van Gogh choisit d'entrer dans un asile. Là, au cours de la dernière année avant sa mort, il a créé plus de 120 peintures.

Peu de temps après son entrée à l'asile, Van Gogh a lancé Iris, travaillant à partir de la nature dans le jardin de l'asile. Il a appelé la peinture "le paratonnerre de ma maladie" parce qu'il sentait qu'il pouvait s'empêcher de devenir fou en continuant à peindre.

“Après le bain, une femme s'essuyant le dos” par Edgar Degas

“Après le bain, femme séchant son dos” par Edgar Degas est une impression d'une baigneuse agenouillée sur une chaise recouverte de serviettes alors qu'elle se cambre sur le dossier de la chaise comme pour ramasser quelque chose avec sa main droite .

Cette estampe fait partie d'une série de photographies, estampes, dessins, esquisses préliminaires au pastel et à l'huile de Degas de cette période qui représente des femmes pendant le bain.

Degas a souvent utilisé des croquis et des photographies comme étape préliminaire pour étudier la lumière et la composition de ses peintures. Ce travail fait partie d'une série qui dépeignent des femmes, comme dans cet exemple, dans des positions maladroites et contre nature.

Degas a déclaré qu'il avait l'intention de créer un sentiment chez le spectateur "comme si vous regardiez à travers un trou de serrure".

“Wheatstacks, Effet Neige, Matin” de Claude Monet

“Wheatstacks, Snow Effect, Morning” de Claude Monet fait partie d'une série de meules de blé récolté. La série se compose de vingt-cinq toiles, que Monet a commencées vers la fin de l'été 1890, et bien que Monet ait également produit des peintures antérieures utilisant ce même sujet de pile.

La série impressionniste est célèbre pour la façon dont Monet a répété le même thème pour montrer la lumière et l'atmosphère différentes à différents moments de la journée, à travers les saisons et dans de nombreux types de temps.

La série Haystacks de Monet est l'une de ses premières à s'appuyer sur la répétition d'un sujet pour illustrer une subtile différence dans la perception des couleurs selon les variations d'heures de la journée, de saisons et de temps.

“Portrait d'une hallebardier” par Pontormo

“Portrait of a Halberdier” de Pontormo représente un jeune homme debout devant un mur de forteresse, tenant une hallebarde.

Une hallebarde est une arme d'arc à deux mains qui a été largement utilisée aux XIVe et XVe siècles, et les troupes qui utilisaient cette arme étaient appelées hallebardiers.

L'identité de la personne n'est pas absolue cependant, les archives florentines ont noté que pendant le siège de Florence en 1528, l'artiste, Pontormo a peint un portrait d'un jeune noble appelé Francesco Guardi en tant que soldat.

“Printemps” par Édouard Manet

Spring d'Édouard Manet dépeint l'actrice parisienne Jeanne DeMarsy dans une robe fleurie avec parasol et bonnet sur fond de feuillage luxuriant et de ciel bleu, comme l'incarnation du printemps.

Elle est représentée posée et regardant droit devant elle, une image de détachement même si elle semble pleinement consciente de notre regard.

Ce tableau était le premier d'un quatuor prévu d'œuvres allégoriques utilisant des femmes parisiennes chics pour représenter les quatre saisons. L'idée était de produire une série de saisons personnifiées par les idéaux contemporains de la femme, de la mode et de la beauté.

La série n'a jamais été terminée et Manet est décédé un an après avoir terminé seulement le deuxième de la série, Autumn.

Kouros grec (Getty Museum)

Ce Kouros grec du Getty Museum est une statue en marbre grandeur nature d'un jeune imberbe nu dans une posture qui avance.

Le terme moderne kouros (pluriel kouroi) est donné aux sculptures grecques anciennes autoportantes qui apparaissent pour la première fois à l'époque archaïque de la Grèce antique et représentent des jeunes hommes nus. En grec ancien, kouros signifie "jeune, garçon, surtout de rang noble".

De telles statues se trouvent dans tout le monde de langue grecque. La plupart de ce type ont été trouvés dans les sanctuaires d'Apollon.

“Printemps” par Lawrence Alma-Tadema

“Spring” de Lawrence Alma-Tadema dépeint le festival de Cerealia dans une rue romaine classique en terrasses en marbre. Dans la religion romaine antique, la Cerealia était la principale fête célébrée pour la déesse du grain Cérès.

Il a eu lieu pendant sept jours de la mi-avril à la fin avril, et cette peinture montre la procession de femmes et d'enfants descendant des escaliers en marbre portant et portant des fleurs aux couleurs vives.

Des spectateurs enthousiastes remplissent tous les points de vue des bâtiments romains classiques.

La curiosité de Tadema pour le monde antique de la Grèce et de Rome était insatiable, et ses connaissances sont incorporées dans cette peinture à travers des détails architecturaux, des vêtements, des sculptures et des ornements basés sur des originaux romains.

“Portrait d'homme” par Paolo Veronese

“Portrait of a Man” de Paolo Veronese met en scène un homme appuyé sur la base d'une structure à colonnes. Dans une niche entre les colonnes se trouve une sculpture en marbre d'une figure drapée, dont seule la partie inférieure est visible.

L'identité de cet homme est un mystère cependant, les indices dans la peinture peuvent faire référence à la profession du sujet, peut-être celle d'un sculpteur ou d'un architecte.

“Euclide’ de Jusepe de Ribera

Euclid de Jusepe de Ribera, représente le "père de la géométrie", émergeant de l'ombre derrière une table. Présenté comme un érudit solennel affichant son livre éculé avec diverses figures géométriques et personnages pseudo-grecs.

De Ribera a concentré toutes ses compétences sur les détails du visage de l'homme, de la barbe hirsute aux plis de son front et aux plis des paupières au-dessus de ses yeux sombres.

Représenté comme un homme avec des vêtements en lambeaux et des doigts noircis et crasseux pour souligner la dévotion d'Euclide aux activités intellectuelles plutôt que matérielles.

“Vénus et Adonis” par Titien

"Vénus et Adonis" de Titien dépeint Vénus essayant d'empêcher son amant Adonis de partir à la chasse. Ses chiens tirent en laisse, faisant écho à son impatience, comme détaillé dans les Métamorphoses d'Ovide.

Cupidon dort en arrière-plan, symbole de la résistance d'Adonis à l'étreinte de Vénus. L'histoire raconte comment un matin où Vénus part dans son char aérien, les chiens d'Adonis réveillent un sanglier, qui se retourne contre lui.

Vénus entend les gémissements d'Adonis, saute de son char et le trouve mourant. Du sang de son amant, elle crée une fleur fragile dont les pétales sont dispersés dans le vent, nommée anémone" windflower" en grec.

“Portrait de la marquise de Miramon” par James Tissot

“Portrait de la marquise de Miramon” par James Tissot représente la marquise vêtue d'un peignoir rose à volants. Autour de son cou se trouvent un foulard en dentelle noire et une croix en argent.

Derrière elle se trouve un paravent japonais à la mode représentant des grues sur fond doré, et sur la cheminée se trouvent plusieurs céramiques japonaises.

Le tabouret Louis XVI et le buste en terre cuite suggèrent son statut aristocratique. Ce tableau a été exposé à l'Exposition Universelle de Paris. Thérèse Feuillant (1836 – 1912) hérite d'une fortune de son père et épouse en 1860 Réné de Cassagne de Beaufort, marquis de Miramon.

“La rue Mosnier habillée de drapeaux” par Édouard Manet

« La rue Mosnier habillée de drapeaux » d'Édouard Manet représente une rue parisienne, décorée de drapeaux français pour la première fête nationale, qui a eu lieu le 30 juin 1878. Elle s'appelait la « Fête de la Paix », ou en anglais, “Célébration de la paix.”

La rue Mosnier, qui s'appelle désormais rue de Berne, était visible depuis l'atelier de Manet au 4 rue de Saint-Pétersbourg. Cette toile montre la vue depuis sa fenêtre du deuxième étage, avec des drapeaux tricolores accrochés aux bâtiments le long de la route.

Manet a capturé l'après-midi de vacances dans la moitié supérieure de la composition avec une harmonie patriotique des rouges, blancs et bleus du drapeau français qui flottait le long de la rue.

Dans la moitié inférieure de la composition se trouve un homme unijambiste avec des béquilles, peut-être un vétéran blessé lors de la guerre franco-prussienne. Aussi, en bas se trouve un homme portant une échelle, et à gauche se trouve une clôture retenant les décombres des travaux de construction.

La rue urbaine était un sujet d'intérêt pour les peintres impressionnistes et modernistes. Manet a reflété la transformation et la croissance de l'ère industrielle et son impact sur la société.


Les origines anciennes de la couronne de fleurs

La couronne de fleurs est aujourd'hui un accessoire à la mode synonyme de fêtards Coachella et de mariées bohèmes, mais ce n'est pas nouveau : porter des feuilles et des fleurs comme coiffe a une riche histoire remontant à l'ancien monde classique.

Depuis l'Antiquité, la forme circulaire ou en fer à cheval de la couronne est un symbole de gloire, de puissance et d'éternité. Dans la Grèce et la Rome antiques, de nombreuses couronnes étaient faites de laine et de feuillages tels que les feuilles de myrte et de lierre, et étaient ornées de différentes fleurs, qui avaient diverses associations à travers le temps.

Les anciens dieux et déesses étaient souvent représentés dans l'art et la littérature portant des plantes spécifiques qui leur étaient dédiées. Chez Ovide Métamorphoses, la belle nymphe Daphné parvient à échapper à son poursuivant, le dieu Apollon, en se transformant en laurier. Apollon coupe une branche de l'arbre et s'exclame : « Bien que tu ne puisses pas être ma femme, tu seras au moins mon arbre, je te porterai toujours sur mes cheveux, sur mon carquois, ô Laurel. (557-559). Il tient parole et, par conséquent, est souvent représenté portant une couronne de laurier comme symbole de son amour pour Daphné. Apollon est le dieu des poètes et des écrivains, et le terme poète lauréat que nous utilisons aujourd'hui vient de ce mythe.

Les feuilles de peuplier blanc étaient associées à Hercule, qui, selon la tradition, a importé l'arbre à Olympie du nord-ouest de la Grèce.

Hercule portant une couronne. Statue d'Hercule, 100-199 après J.-C., romain. Marbre avec polychromie, 46 po de hauteur. Le Musée J. Paul Getty, 73.AA.43.1. Image numérique avec l'aimable autorisation du programme Open Content de Getty

Les anciens Grecs ont d'abord présenté la couronne comme une récompense honorifique pour les vainqueurs de concours sportifs, militaires, poétiques et musicaux. Par exemple, les Jeux Pythiques se tenaient à Delphes tous les quatre ans en l'honneur d'Apollon, et les gagnants recevaient traditionnellement une couronne de laurier. Le laurier-laurier est originaire de la région méditerranéenne et était un symbole important de victoire, de réussite et de statut.

Des couronnes d'olivier ont également été décernées aux vainqueurs de compétitions sportives, comme le jeune homme nu illustré ci-dessous. Des oliviers sauvages poussaient à Olympie, où se tenaient les jeux olympiques, et des couronnes d'olivier étaient remises en récompense aux vainqueurs de ces jeux. Il aurait pu être un coureur, un lutteur ou un haltérophile, qui se couronne ou retire la couronne pour la dédier aux dieux en signe de piété.

Un jeune homme se couronne d'une couronne d'olivier. Statue d'une jeunesse victorieuse, 300-100 av. J.-C., grec, bronze avec tétons en cuivre incrusté, 59 5/8 in. de haut. Le Musée J. Paul Getty, 77.AB.30. Image numérique avec l'aimable autorisation du programme de contenu ouvert de Getty

Le symbolisme de la couronne de laurier survit à ce jour. Il figurait en bonne place sur la conception de la médaille pour les Jeux olympiques de Rio 2016, par exemple.

Les anciens Romains ont continué la tradition de la couronne comme récompense du triomphe. Ils habillaient leurs chefs et leurs militaires de couronnes de laurier, de chêne ou de myrte. La couronne d'herbe ou couronne obsidionale était la plus haute distinction militaire, décernée par une armée assiégée au général qui les libéra. Il était fait d'herbe, de mauvaises herbes et de fleurs sauvages cueillies à l'endroit où l'armée avait été attaquée.

Un profil d'un homme portant une couronne de laurier, qui indiquait qu'il était probablement de haut rang militaire. Camée, années 1700-1800, européenne. Le Musée J. Paul Getty, 83.AL.257.15, Legs d'Eli Djeddah. Image numérique avec l'aimable autorisation du programme de contenu ouvert de Getty

Les couronnes de fleurs étaient également portées pour les festivités et les célébrations, tout comme elles le sont aujourd'hui, elles étaient habituelles lors d'événements tels que les sacrifices aux dieux et les fêtes. Dans les représentations d'hommes grecs lors de symposiums (boires aristocratiques), nous voyons souvent des personnages portant des couronnes. Ils pensaient que serrer un filet autour de leur tête pourrait soulager leur ivresse, bien que les festivaliers d'aujourd'hui puissent ne pas être d'accord. Ceux-ci étaient à l'origine faits de laine, mais plus tard décorés de fleurs et de pétales de roses, de violettes, de myrte et de persil.

Coupe de vin avec un jeune et un homme, 450-440 av. J.-C., attribuée au peintre d'Euaion. Terre cuite, 15 9/16 po diam. Le Musée J. Paul Getty, 86.AE.682. Image numérique avec l'aimable autorisation du programme Open Content de Getty

À Rome, le festival Floralia a eu lieu en l'honneur de Flora, déesse des fleurs, de la végétation et du printemps. Il n'est donc pas surprenant qu'un casque composé de pétales de fleurs et de vignes entrelacées soit l'accessoire indispensable. Dans cette représentation d'une statue de Flore, elle est représentée tenant sa couronne de fleurs.

Statuette Farnèse Flore, 1871, William Chaffers. Woodburytype, 4 3/4 × 3 11/16 in. Le J. Paul Getty Museum, 84.XB.935.23.3.83. Image numérique avec l'aimable autorisation du programme Open Content de Getty

En Europe, cette fête religieuse a ensuite été célébrée comme le 1er mai laïc. Dans la peinture d'Alma-Tadema Printemps, l'artiste représente cette fête et la tradition d'envoyer les enfants cueillir des fleurs le premier jour de mai. Un cortège de femmes et d'enfants portent des couronnes de fleurs colorées et portent des paniers de fleurs. Alma-Tadema était obsédé par le monde antique, et il a même placé cette célébration victorienne dans une Rome antique imaginaire.

Une procession de femmes et d'enfants portant des couronnes de fleurs aux couleurs vives. Printemps, 1894, Lawrence Alma-Tadema. Huile sur toile, 70 1/4 × 31 5/8 in. Le J. Paul Getty Museum, 72.PA.3. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program

Although the flower crown was popular in the ancient world, as Christianity spread it fell out of favor due to its association with pagan festivals. But it made a comeback in Renaissance art, as artists and scholars looked again to the classical past for inspiration.

In modern times we often see flower crowns used as a reminder of the ancient Mediterranean world. As just one example, German photographer Baron Wilhelm von Gloeden used the flower crowns in portraits he created of in Sicily, as a symbol of his subjects’ ancient heritage.

A boy wearing a lily wreath. Boy with Lillies, about 1890–1914, Baron Wilhelm von Gloeden. Toned gelatin silver print, 8 3/8 × 6 1/4 in. The J. Paul Getty Museum, 84.XM.631.12. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program

Even the bridal crown, it turns out, has ancient roots. The Roman bride would wear a crown made of verbena that she herself had picked. In modern times, Queen Victoria made the practice fashionable by wearing a crown of orange blossoms in her hair on her wedding day to prince Albert on February 10, 1840. It was also during the Victorian era that interest in “floriography” rose, with women often depicted wearing flowers to communicate a personal attribute. The orange blossom, for example, is a symbol of chastity.

Portrait of a Bride with Orange Blossoms, 1907 – 1943, Louis Fleckenstein. Gelatin silver print, 9 7/16 x 7 in. The J. Paul Getty Museum, 85.XM.28.275. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program.

Today the trend of wearable fronds and flowers continues in a variety of ways—as a symbol of victory, celebration, love, romance, or femininity, whether you’re wearing a wreath to a festival or donning a digital version on Snapchat.

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Lectures complémentaires

A few good sources for delving deeper into the historical roots of the flower crown:


Ewan McGregor, 50, welcomes secret baby boy - and daughter lets slip the name

Hancock's wife �ook pals with mistress & thought marriage was happy'

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Communiqué de presse

J. PAUL GETTY MUSEUM ACQUIRES MAJOR 19 th -CENTURY LANDSCAPE PAINTING

BY ITALIAN ARTIST GIOVANNI SEGANTINI

The lush mountain scene was commissioned for American collector Jacob Stern

and was on public view in San Francisco for more than 70 years

Spring in the Alps, 1897
By Giovanni Segantini

On view at the Getty Museum, Getty Center, Los Angeles beginning February 12

LOS ANGELES – The J. Paul Getty Museum announced today the acquisition of Spring in the Alps, 1897, by Giovanni Segantini (Italian, 1858-1899). Originally painted for Jacob Stern, a San Francisco collector and director of Levi Strauss & Co, the painting has a long connection to California. It was on continuous loan to Legion of Honor in San Francisco from 1928 until it was sold by Stern’s descendants in 1999.

“Giovanni Segantini was at the peak of his career when he created this luminous panoramic scene,” said Timothy Potts, director of the Getty Museum. “Featuring his characteristic thick brushstrokes and brilliant color palette—which includes flecks of gold leaf—the painting is among the most extraordinary and captivating landscapes produced in Europe at the end of the 19th century. It will resonate powerfully alongside our great Impressionist and Post-Impressionist works from France and paintings by northern European artists of the era. Significantly, with this acquisition, Spring in the Alps finds a permanent public home in California, its original destination, and we hope museum-goers from San Francisco, where it was on view for more than 70 years, will visit the painting at the Getty when they are in Los Angeles.”

At more than four by seven feet, Spring in the Alps is a monumental, sweeping depiction of an alpine landscape near the village of Soglio in Switzerland, with its recognizable church tower visible on the right side of the picture. The view is of an expansive plateau and valley ringed by glaciers and majestic snow-capped mountains. In the middle of the composition a farm woman dressed in a blue and red peasant costume characteristic of eastern Switzerland leads two large horses past a watering trough. They are coming from a freshly plowed field where a sower scatters seeds and a black and white dog stands guard. The scene is sunny and colorful, emphasizing a glorious vista with a brilliant blue sky and ribbons of clouds.

Segantini painted the sizeable canvas in the open air, with additional work completed in the studio. He took liberties with the topography to suit his composition, adjusting the relative scale of the mountains, the perspective of the valley, and the position of the town. He created the vibrant color scheme and brilliant effects of light following the principles of Divisionism, the practice of juxtaposing pure local colors in the belief that the hues mix optically in the eye of the viewer, creating especially luminous effects. This pseudo-scientific movement in painting was first launched in France in the 1880s by George Seurat and Paul Signac, where it was dubbed “Neo-Impressionism.” The movement was subsequently adopted by Italian painters, with Segantini becoming a principal exponent. In contrast to Seurat’s pointillist brushstrokes, Segantini employed long, thin strokes of contrasting color. The rich impasto and the tactile, almost woven, quality of the painted surface, marvelously capture the crisp transparency of the atmosphere, the harshness of the rocks, the thickness of the grass, and the roughness of the skin of the animals.

Spring in the Alps is a joyous hymn to the cycle of life and the reawakening of nature in spring after a long, hard winter,” said Davide Gasparotto, senior curator of paintings at the Getty. “It is an extraordinarily accomplished work where symbolism and naturalism are inextricably intertwined. Segantini himself counted it among his absolute masterpieces. Panoramic in scale and astonishingly luminous, Spring in the Alps is one of the greatest paintings of the Italian Ottocento in America, an iconic work that expands our ability to tell the story of 19th-century European painting.”

Spring in the Alps was commissioned by the American painter Toby E. Rosenthal (1848-1917), who resided in Munich, for San Francisco businessman and collector Jacob Stern (1851-1927), whose father, David Stern, co-founded Levi Strauss & Co. Segantini exhibited the picture at the 7th Munich Secession in 1897 and then took the painting back to his studio in Switzerland where he made further adjustments. In early 1899 the picture was sent to San Francisco to be the centerpiece of Stern’s collection. It was so well known even then, that the painting’s rescue from the 1906 earthquake and fire was reported in the national press. Upon Stern’s death in 1927, and in accordance with his wishes, Spring in the Alps was loaned by his heirs to the California Palace of the Legion of Honor. There it stayed on public view for more than 70 years. In 1999 the estate of Stern’s heir sold the picture at auction in New York.

Born in Arco (Trento) in 1858, Giovanni Segantini counts among the most important Italian artists of his generation. He was internationally famous for his dreamy Alpine landscapes, which combine elements of Jean-François Millet’s reverent naturalism with Georges Seurat’s dappled Divisionist technique and the allegorical subjectivity of the work of contemporary Symbolists, from Gustav Klimt to Paul Gauguin. Segantini&rsquos work represents the transition from traditional nineteenth-century art to the changing styles and interests of the twentieth century.

Orphaned as a boy, Segantini was apprenticed to a photographer in Milan, where in 1873 he began attending night classes at the Brera’s Academy of Fine Arts. In the early 1880s, on the advice of the painter-dealer Vittore Grubicy de Dragon, he experimented with plein-air painting during an extended visit to the Brianza region. Marketed by Grubicy, with whom Segantini signed an exclusive contract in 1883, the resulting landscapes attracted international attention and quickly made their author’s fortune. Segantini settled in the picturesque Swiss valley of the Engadine, where he painted views of the surrounding mountains for the rest of his career, often carting his enormous canvases out into the elements to work directly from nature. Despite his somewhat remote location, Segantini kept abreast of the contemporary art scene, maintaining a lively correspondence with Gustav Klimt, Max Liebermann, and others, while his work was exhibited in London, Amsterdam, Paris, and Munich.

In 1897, Segantini was commissioned by a group of local hotels to build a huge panorama of the Engadin valley to be shown in a specially built round hall at the 1900 Exposition Universelle in Paris. Before it was completed, however, the project had to be scaled down for financial reasons. Segantini redesigned the concept into a large triptych known as Life, Nature, and Death (Museo Segantini, St. Moritz), which is now his most famous work. Eager to finish the third part of his large triptych, La nature, Segantini returned in 1899 to the mountains near Schafberg. The pace of his work, coupled with the high altitude, affected his health, and in mid-September he became ill with acute peritonitis. Two weeks later he died at the age of 41. Two years later the largest Segantini retrospective to date took place in Vienna. In 1908, the Museo Segantini was established in St. Moritz, Switzerland.

Spring in the Alps joins another important work by Segantini in the Getty Museum’s collection, Study for “La Vita” (1897), a large pastel that parallels the painting’s composition and is dedicated to his friend Toby Rosenthal, who facilitated the commission of Spring in the Alps from Jacob Stern. In excellent condition, Spring in the Alps comes to the Getty in the elaborate frame that the artist originally designed for it. It will be put on exhibition in the Museum’s West Pavilion on February 12th, alongside other works of art from 19th century Europe.


The J. Paul Getty Trust is an international cultural and philanthropic institution devoted to the visual arts that includes the J. Paul Getty Museum, the Getty Research Institute, the Getty Conservation Institute, and the Getty Foundation. The J. Paul Getty Trust and Getty programs serve a varied audience from two locations: the Getty Center in Los Angeles and the Getty Villa in Pacific Palisades.

Le musée J. Paul Getty collects Greek and Roman antiquities, European paintings, drawings, manuscripts, sculpture and decorative arts to 1900, as well as photographs from around the world to the present day. The Museum’s mission is to display and interpret its collections, and present important loan exhibitions and publications for the enjoyment and education of visitors locally and internationally. This is supported by an active program of research, conservation, and public programs that seek to deepen our knowledge of and connection to works of art.


Communiqué de presse

The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs will be exhibited Alongside Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium

LOS ANGELES – From 1973 to 1984, Samuel J. Wagstaff Jr. (American, 1921-1987) assembled one of the most important private collections of photographs in the world. With more than 26,000 objects, the collection spans the experimental beginnings of photography in the nineteenth-century to the works of artists active in the 1970s and 1980s. In 1984 Wagstaff sold his collection to the J. Paul Getty Museum, and thirty-two years later it remains the Museum’s single largest holding of art from one source. The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs, on view March 15-July 31, 2016 at the J. Paul Getty Museum, Getty Center, features a selection of works from Wagstaff’s collection, offering a look at how his broad and idiosyncratic tastes helped to expand the photographic canon.

“The acquisition of Samuel Wagstaff’s collection of photographs in 1984 was a landmark event in the Museum’s short history,” explains Timothy Potts, director of the J. Paul Getty Museum. “In one move, the Getty became the custodian of one of the most important private collections of photographs in the world, thus setting the stage for the Museum to become, as it since has, one of the preeminent public photographic collections of the world. Wagstaff’s eye for quality and voracious appetite for collecting, ranging from Fox Talbot, Nadar and Man Ray to Lange, Arbus and Hujar, set him apart from his peers and fueled his reputation as a connoisseur and taste-maker in photography as a art form—a status that was still not yet universally acknowledged. This exhibition is the first to give Wagstaff’s critical role in photographic history its due."


Mrs. Herbert Duckworth, 1867. Julia Margaret Cameron (British, born India, 1815 - 1879). Albumen silver print. 34 x 24.9 cm (13 3/8 x 9 13/16 in.) The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

Born into a socially prominent New York City family, Wagstaff attended Yale University and the Institute of Fine Arts at New York University before working as a curator at the Wadsworth Atheneum in Hartford, Connecticut, and the Detroit Institute of the Arts. While he was a champion of contemporary art and organized numerous innovative exhibitions, it was not until he met the artist Robert Mapplethorpe (American, 1946-1989) that he developed an interest in collecting photographs. The two met in 1972 and became lovers, with Wagstaff supporting Mapplethorpe’s fledging career and Mapplethorpe helping Wagstaff understand the value of photography as art. Within a few short years, Wagstaff became a preeminent collector in a still young market.

Wagstaff promoted photography as an art form by exhibiting, publishing, and lecturing on his collection. In 1978 he organized the exhibition Photographs from the Collection of Sam Wagstaff, which opened at the Corcoran Gallery of Art in Washington, D.C. before beginning a seventeen-venue tour. His reputation as an arbiter of taste provided an impetus for museums to collect photographs and for scholars to devote their studies to photography.

“In addition to frequenting auctions in New York, London, and Paris, Wagstaff would often troll secondhand shops and flea markets during his travels, and come back with shopping bags full of prints,” says Paul Martineau, associate curator of photographs at the J. Paul Getty Museum and curator of the exhibition. “Wagstaff had a knack for discovering photographs by unknown makers that were deserving of attention and was bold enough to hang these works next to those by the established masters.” The Wagstaff Collection is known for its quality and breadth, and the exhibition will include photographs by the medium’s pioneers, including William Henry Fox Talbot, Hill & Adamson, Gustave Le Gray, Nadar, and Julia Margaret Cameron. Wagstaff also had an eye for early twentieth-century photography, purchasing prints by Adolf de Meyer, Edward Steichen, Man Ray, August Sander, Edward Weston, and Dorothea Lange. Contemporary photographs are represented in the collection with works by William Eggleston, Diane Arbus, William Garnett, Larry Clark, Jo Ann Callis, and Peter Hujar.

After Wagstaff sold his collection of photographs to the Getty Museum in 1984, he turned to nineteenth-century American silver, and quickly amassed one of the finest collections in the field. On view in the exhibition is a Gorham sterling ice bowl and spoon fashioned in the shape of blocks of ice with cast icicles and polar bear handles. Wagstaff pestered Mapplethorpe to photograph the ice bowl, so it could be reproduced in a catalogue for an exhibition of Wagstaff’s collection of silver at the New York Historical society (that photograph is on view in Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium). Sadly, the catalogue was never published and Wagstaff died from AIDS-related complications, just two months before the exhibition opened.

“The story of Wagstaff’s late-in-life interest in silver underscores the core values that made him successful as a collector of photographs,” adds Martineau. “He began with a medium that he thought was remarkable and undervalued, and put all of his resources into building a world-class collection.”

The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs is on view March 15-July 31, 2016 at the J. Paul Getty Museum, Getty Center. The exhibition is curated by Paul Martineau, associate curator of photographs at the J. Paul Getty Museum. The exhibition will be displayed in galleries adjacent to Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium, also on view March 15-July 31, 2015 at the Getty and March 20-July 31, 2015 at the Los Angeles County Museum of Art (LACMA). The Wagstaff exhibition will then travel to the Wadsworth Atheneum September 10-December 11, 2016 and the Portland Art Museum in Maine February 1-April 30, 2017.

The J. Paul Getty Trust is an international cultural and philanthropic institution devoted to the visual arts that includes the J. Paul Getty Museum, the Getty Research Institute, the Getty Conservation Institute, and the Getty Foundation. The J. Paul Getty Trust and Getty programs serve a varied audience from two locations: the Getty Center in Los Angeles and the Getty Villa in Pacific Palisades.

Le musée J. Paul Getty collects Greek and Roman antiquities, European paintings, drawings, manuscripts, sculpture and decorative arts to 1900, as well as photographs from around the world to the present day. The Museum&rsquos mission is to display and interpret its collections, and present important loan exhibitions and publications for the enjoyment and education of visitors locally and internationally. This is supported by an active program of research, conservation, and public programs that seek to deepen our knowledge of and connection to works of art.


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